Pablo Casals était un chef d’orchestre atypique. Mais un grand chef. Reconnu précédemment comme un grand violoncelliste, c’était un autodidacte qui communiquait de façon authentique et originale avec les musiciens. Le conseiller musical de la Fondation Pau Casals, Bernard Meillat, décrit cette facette singulière du maître.
Pablo Casals était un innovateur dans la technique d’interprétation du violoncelle et un virtuose qui a marqué un avant et après dans l’histoire de cet instrument. Mais sa facette d’interprète était associée dès le début à celle du compositeur et du chef d’orchestre. C’est pour cette raison que l’on peut affirmer qu’il était un musicien complet.
Sa vocation de chef orchestre est inexplicablement apparue lorsqu’il était très jeune, avec la découverte de l’interprétation et de la composition musicale. À seulement 5 ans, le musicien avait déjà conscience qu’il était destiné à devenir chef d’orchestre ! Il venait d’entrer dans la chorale paroissiale d’El Vendrell, dirigé par son père et il voulait déjà donner des conseils aux autres chanteurs !
En 1898, alors qu’il n’avait pas encore 22 ans, Pablo Casals a fait ses premiers pas en tant que chef d’orchestre en dirigeant une partie des répétitions de María del Carmen, le premier opéra de son ami Enric Granados. Jusqu’à la fin de la Première Guerre mondiale, il avait peu d’occasions de diriger, car son activité de violoncelliste lui prenait beaucoup de temps. Il a dirigé son premier concert à Paris, en 1908, à la tête de l’Orchestre Lamoureux, en dirigeant notamment la cinquième symphonie de Beethoven. Son activité débordante de violoncelliste, avec un agenda rempli de concerts en Europe et en Amérique, ne l’a pas aidé à se consacrer à son autre grande passion musicale : la direction d’orchestre.
Il a fallu attendre la fondation de l’Orchestre Pau Casals pour que sa carrière de chef d’orchestre prenne un autre tournant, car à partir de ce moment, la direction d’orchestre lui prenait près de la moitié de son temps. Il a fait ses débuts au Carnegie Hall en 1922, à Londres avec l’Orchestre Symphonique de Londres en 1925, l’Orchestre Philharmonique de Vienne en 1927. Le public l’a accueilli avec beaucoup d’enthousiasme, mais la presse était partagée. Certains n’acceptaient pas qu’il soit soliste, mais il est tout de même devenu chef d’orchestre. Certains orchestres ont également posé problème, car ils n’aimaient pas l’interprétation superficielle de Pablo Casals et l’ont obligé à repenser ses phrasés qui manquaient d’énergie. Certains musiciens se sont plaints de sa façon de faire, ils voulaient qu’il soit plus précis.
Le chef d’orchestre Pablo Casals était un autodidacte qui avait tout appris des grands chefs d’orchestre avec qui il avait joué en tant que soliste. Il avait pris Hans Richter (1843-1916) comme modèle, qui était, lui-même élève de Wagner et ami de Brahms. Pablo Casals n’a jamais été un virtuose de la baguette, sa seule ambition était de partager son amour pour la musique et son génie en tant qu’interprète. Pour lui, la direction d’orchestre était un bonheur extrême. Le violoncelle lui procurait une immense satisfaction mais lui demandait beaucoup de travail et était source de souffrance (en raison de la panique qui l’envahissait avant chaque concert). Pour lui, l’orchestre était l’instrument idéal: il lui apportait un répertoire illimité et ce sentiment de travail partagé, la communion musicale, qu’il aimait par-dessus tout.
Après la Seconde Guerre mondiale, Pablo Casals n’a pas pu retrouver ce bonheur au Festival de Prades, et ce jusqu’en 1953, puisque la situation économique ne permettait pas de réunir un orchestre. Deux autres festivals lui ont offert la possibilité de diriger: Porto Rico à partir de 1957, avec un orchestre d’un niveau exceptionnel, formé par des musiciens des plus grands orchestres américains qui étaient venus pour avoir le privilège d’être dirigé par Pablo Casals; et Marlboro à partir de 1960, avec un mélange unique de jeunes musiciens expérimentés et très talentueux. En dehors de ces festivals, Pablo Casals va diriger des orchestres uniquement pour son Oratori-El Pessebre, ou pour des occasions exceptionnelles, comme le Festival d’Israël.
D’un point de vue extérieur, le Pablo Casals chef d’orchestre ressemblait peu au Pablo Casals violoncelliste. Son visage et même son corps étaient devenus très expressifs, contrairement à sa facette de musicien, toujours immobile, impénétrable lorsqu’il jouait du violoncelle. Selon lui, la qualité première d’un chef d’orchestre était la capacité à communiquer, à convaincre. Pour ce faire, il utilisait la parole, d’une manière assez brève, et toujours avec des mots très simples. Il faisait référence à la diversité infinie de la nature ou aux émotions humaines fondamentales. Avec les autres chefs d’orchestre, ces mots auraient créé des lieux communs. Mais, avec lui, ils ont atteint leur objectif, puisque les musiciens ont capturé la sincérité absolue, la vérité. Il chantait surtout, en détaillant chaque phrasé ou rythme, jusqu’à ce qu’il sente que les musiciens avaient compris.
Pablo Casals demandait aux musiciens de faire plusieurs essais avant chaque concert. En général, il commençait par l’exécution complète d’une œuvre avant d’entrer dans les détails. Il n’hésitait pas à répéter un passage sans cesse jusqu’à ce qu’il soit satisfait du résultat obtenu. Adrian Boult, qui est allé à Barcelone en 1922, a observé le travail de Pablo Casals. Il a compté jusqu’à 19 répétitions de la gamme chromatique au milieu du scherzo du Songe d’une nuit d’été de Mendelssohn ! Pablo Casals faisait toujours la même chose, même dans le répertoire qu’il jouait le plus souvent. De plus, il a toujours choisi des œuvres bien connues pour ses premiers pas en tant que chef d’orchestre: la Chevauchée des Walkyries pour la première répétition de l’Orchestre Pau Casals en 1920, la Sérénade nocturne à Perpignan en 1951, ou la Symphonie inachevée de Schubert en 1957 à Porto Rico.
Le meilleur moyen de convaincre rapidement les musiciens qui suivaient les grands débuts de Pablo Casals était de reprendre ses chefs-d’œuvre avec une nouvelle oreille, les repenser entièrement, loin de toute routine. Le professeur originaire d’El Vendrell a souvent affirmé que plus vous vous consacrez à une œuvre d’art, plus vous trouvez de raisons de vous trouver merveilleux.
La liberté de phrasé musical et la vie du rythme, dont les partitions ne pouvaient donner qu’une indication fixe et imparfaite, ne doivent pas être limitées sous prétexte que la direction d’orchestre devait donner la priorité à l’ordre. Pour Pablo Casals, un orchestre, aussi grand que le sien, n’était pas forcément différent d’un ensemble de musique de chambre. Chaque musicien a sa place et ce qui compte, c’est de répondre à sa sensibilité et à son intelligence, car il y met tout son cœur et donne le meilleur de lui-même. Un jour, à la suite du premier Festival de Prades, Pablo Casals a déclaré qu’il n’avait jamais été en mesure de trouver l’expression et le temps nécessaires pour l’œuvre qu’il devait répéter, et qu’ils allaient répéter tous ensemble.
Faire de la musique dans ces conditions était une expérience unique, notamment lorsque de nombreux chefs d’orchestre se comportaient comme des dictateurs et n’hésitaient pas à humilier les musiciens. Pablo Casals a demandé à ses collègues d’abandonner ces pratiques, de traiter les musiciens avec plus d’humanité et de leur assurer que l’autoritarisme n’était pas nécessaire car la discipline orchestrale était parfaite. Et il a donné l’exemple de l’Orchestre de Pau Casals, avec des musiciens qu’il considérait comme sa propre famille. Pour cette raison, la relation entre Pablo Casals en tant que chef d’orchestre et les musiciens était plutôt le fruit d’un dialogue complice et de respect musical, et non pas l’imposition d’autorité.
La réputation de Pablo Casals en tant que chef d’orchestre a été affectée par son immense renommée en tant que violoncelliste et par sa carrière internationale à partir de 1940. Les quelques disques enregistrés à Marlboro ont remporté un franc succès, mais il fallait sans aucun doute attendre la publication des concerts de Porto Rico pour que Pablo Casals retrouve sa vraie place parmi les plus grands chefs d’orchestre du 20e siècle.
L’écrivain et secrétaire personnel de Pablo Casals, Josep Maria Corredor, a expliqué que le musicien originaire d’El Vendrell mentionnait trois chefs de sa génération comme référents, aux antipodes les uns des autres : Wilhem Furtwängler (qu’il qualifie plus tard du plus grand dans le répertoire romantique), Leopold Stokowski et Arturo Toscanini ! Malheureusement, aucun des trois ne pouvait se rendre à Barcelone. Pablo Casals, contrairement à certains de ses collègues qui redoutaient que les chefs d’orchestre invités fassent de l’ombre au directeur musical, n’a pas hésité à inviter les plus importants chefs d’orchestre de la période d’entre-deux-guerres. Le premier, en 1922, était Serge Koussevitzky, qui peu de temps après assumerait la direction de l’Orchestre symphonique de Boston. Plus tard, il a donné la priorité à des chefs d’orchestre de la grande tradition germanique : Franz Schalk, Oskar Fried, Clemens Krauss, Erich Kleiber, Fritz Busch, Otto Klemperer…
Un autre grand principe de Pablo Casals consistait à inviter les compositeurs à diriger ses propres œuvres et ses choix démontraient combien ils souhaitaient ouvrir le public catalan à des répertoires contemporains très variés : Richard Strauss, Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg, Vincent d’Indy, Arthur Honegger… et, bien évidemment, de nombreux compositeurs catalans. Il n’arrivait à rien si sa technique pour diriger l’orchestre n’était pas parfaite, les compositeurs, pour Pablo Casals, étaient les mieux placés pour faire vivre leur musique. Et s’ils se sentaient capables, Pablo Casals leur proposait de diriger également les œuvres de grands compositeurs. Ainsi, Webern a dirigé à Barcelone les symphonies d’Haydn, Mozart, Schubert et Mahler et Zemlinsky a interprété Beethoven et Dvorak !